Foto: Cortesía  La obra Botánica (2014) de David Manzur, pastel sobre papel, 110 X 75 centímetros.

 Sergio Esteban Vélez.

Especial para EL MUNDO 

Como escribe el crítico Eduardo Serrano: “Concentrándose en el manejo de sus medios y permitiendo a su talento e intelecto interactuar con plena independencia y total sinceridad, David Manzur ha logrado un indiscutido nivel de excelencia en la elaboración de unas imágenes entre poéticas y alarmantes, entre seductoras y premonitorias, las cuales conducen a reflexionar sobre el arte, sus definiciones y su historia, y también sobre el hombre, su inquietante presente y su incierto porvenir”.

En el diálogo que publicamos hoy, David Manzur nos revela importantes consideraciones acerca de lo que ha sido para él el lenguaje artístico, desde la Antigua Grecia y los genios del arte que han influido significativamente en su manera de ser y de pintar, hasta el siglo XXI, cuando tantos jóvenes sueñan con dejar huella.

-¿Cuáles han sido los estilos que han guiado sus consideraciones pictóricas?

“En la vida mía, ha habido cambios muy grandes, muy antagónicos.  A mí, por ejemplo, me interesa mucho Picasso, sin tener nada de Picasso.  Aunque tuve un período un poco cercano, pero no tanto a Picasso, sino al concepto que él tenía de las Cíclades, de las artes etruscas, del Arte Ibérico, de estas figuras, que eran arcaicas, en cierta manera, muy importantes, sobre todo las Cíclades.  

“Yo creo que esos artistas que viven soñando con hacer un aporte e inventar algo nuevo están perdiendo el tiempo.  

“Un tipo como Brancusi, por ejemplo, usa las Cíclades a tal punto de que hace de ellas un estudio nuevo, y no es más que el acercamiento.  

“Picasso era obsesivo por las máscaras africanas, el Arte Egipcio, el Etrusco, las Cíclades y el Arte Ibérico.  A él no le importaba que lo llamaran creador, y fue el más grande creador. “Todo artista nunca terminó lo que pensó y lo que se planteó.  Miguel Ángel no terminó lo que pensó, al punto que él hacía cálculos tan equivocados, como cuando planeó la tumba de Julio II, de la que no quedan más que unos pocos esclavos y el Moisés.  

“El artista, en su mente, tiene un trabajo como para 500 años.  Esto lo digo con el sentido casi de derrota de decir que todo lo que tú me estás diciendo, de si vengo de Pisanello o de los artistas del siglo VII, sí es verdad, pero me doy cuenta de que necesito 500 años más”. 

-Si hablamos de grandes maestros que lo han influenciado, hay, por supuesto, que remontarse a la Grecia Antigua.

“Yendo atrás,  la experiencia nos ha enseñado que todo gran artista ha sido una historia del Arte en él mismo, que su vida, por larga que sea, ha sido una mínima parte de lo que pueda pensar, y ese pensamiento no debe terminar con su vida: tiene que retomarlo alguien.  Y como todo artista no terminó, el que retoma lo que le faltó al otro está dando el punto más alto en la creatividad.

“En esa forma, hemos visto la sucesión de propuestas, no por un artista, sino por colectividades, épocas, períodos...  

“Y si me preguntas quiénes han hecho eso, me remonto a  Fidias, quien fue un afortunado, que, en el siglo V a.C. tuvo el apoyo de Pericles, el gran guerrero y hombre de gran cultura, que le dio carta abierta para crear su escuela. Fidias quería acercarse al Naturalismo, que es un remedo dentro del concepto de la escultura, de la realidad orgánica de la vida: animales y hombres.  Él trabajó y llegó a hacer unos planteamientos muy bellos que se acercaban al Naturalismo.  

“Más tarde, en el siglo III a.C., aparece Lisipo, el escultor predilecto de Alejandro Magno, y  empieza el Arte a romper el eje vertical y la recta en los que trabajó Fidias.  

“El conocimiento de esto es un recurso enorme, para cuando uno trabaja.  Esto de lo que estoy hablando, aunque parece que se desviara de lo mío, son los patrones en los que yo me muevo. Y todos estos conceptos del movimiento, el micromundo, el detalle responden a todas estas preguntas, en el sentido de que en una época estoy aquí, y en otra, allá.

“Por ejemplo, los ejes son parte primordial en las composiciones, abstractas o figurativas; las diagonales tienen un papel, los fondos, y, ante todo, cuando pinto, el blanco de un cuadro es la primera forma, y ahora que entro a la escultura, ese bloque de aire mental ya es el primer paso también”.  

-Usted es reconocido por ser un gran trabajador.  ¿Cree que nuestros nuevos artistas han ido perdiendo esa constancia y capacidad de trabajo?

“Aparentemente, lo conceptual tiene una concepción muy filosófica, y hay veces que personas muy maduras llegan al punto en que la expresión es lo mínimo, para poder lanzar un pensamiento, a través del concepto de Artes Plásticas.  

“Las artes, en algunos aspectos de la conceptualidad, se han minimalizado mucho en la manera en que se exponen los elementos, y el artista ahí invade el campo del poeta y del escritor, cuando, al hacer una obra, se entra en metáforas y combina elementos que tienen connotación más de tipo poético, que de tipo visual.