La rana de cristal fue la figura escogida por el Banco de la República para decorar la nueva moneda de 500 pesos. Esta rana, una especie que habita en los bosques húmedos de los Andes, recibe su nombre porque su piel es transparente, lo que permite ver sus órganos internos, como si estuviera hecha de cristal.  Banco de la República

Oscar Jairo González Hernández
Profesor de Comunicación y Lenguajes Audiovisuales.

Johanna Calle es la responsable de que un frailejón y una rana aparezcan en las nuevas monedas de 100 y 500 pesos.

Esta artista bogotana, que estudió en los Talleres Artísticos de la Universidad de los Andes, y posteriormente realizó una maestría en artes plásticas, en el Chelsea College of Art, de Inglaterra, prefiere que no se le encasille dentro de alguna técnica o estilo determinado.

Calle, cuya producción se encuentra en colecciones privadas en Argentina, Brasil, Costa Rica, España, Estados Unidos, Francia, Inglaterra y México, habla sobre asuntos de su trabajo artístico.

- ¿En qué momento decide que la pintura es el campo en el que se quería mover dentro del arte?

“Durante mis estudios de arte, la decisión de hacer pintura fue paulatina ya que me interesaban varios campos y no quería desecharlos prematuramente, pues experimentaba con materiales no convencionales, como tejas, o construía objetos.

Hacía ensamblajes e iba desarrollando procesos experimentales en los que las fallas y errores me daban pautas para nuevos procedimientos. La materia y el color iban tomando cada vez más fuerza. El no considerarlos "pinturas" en esta etapa me permitió trabajar un campo muy amplio.

El marco que las definió fue posterior y ocurrió un poco por casualidad. Podría nombrar dos hechos distintos: en el año 1987 me invitaron a exponer dos de estos ensamblajes en una exposición titulada "Los nuevos pintores de Colombia"; un año y medio después empecé a trabajar en lo que sería mi tesis de grado; presenté un conjunto de obras como ‘pinturas’, a falta de un mejor nombre.

Yo aún seguía reticente a limitar el campo de acción, así que continué con los ensamblajes que me permitían mayor libertad y una indefinición en la que yo me encontraba cómoda, ya que no tenía que renunciar ni a la imagen ni al objeto.

Hacia 1992, cuando quise hacer una especialización tuve que hacer una elección y la pintura parecía ser el campo más afín a lo que había hecho hasta ese momento. Empecé a aprender por mi cuenta métodos más tradicionales de pintura como a imprimar lienzos, a preparar óleos, etc., antes de viajar a Londres.

Durante un tiempo, decidí que iba a trabajar exclusivamente en la imagen, dejando a un lado la experimentación con materiales. Yo quería aprender a pintar. Posteriormente, hacia 1995, el área que empezaba a interesarme más era el dibujo; quería definir la imagen sin el estrépito del color. Ese es el campo en el que aún estoy trabajando hoy en día”.

- ¿Considera que tiene un estilo o una técnica que la identifique?, ¿ha hecho uso de los nuevos medios y técnicas que el arte tiene en la actualidad?

“Considero que no puede hablarse de un estilo que me identifique. Ni siquiera un único campo de trabajo, a no ser que se parta de ‘lo visual’, que alcanza a abarcar un área de trabajo suficientemente amplio.

En cuanto a la forma, no he propuesto nada distinto al retrato, el paisaje o la naturaleza muerta. Me considero una artista visual conservadora, siguiendo parámetros de pintura y dibujo.

Los procesos electrónicos, los nuevos medios, las instalaciones, y todos aquellos que podría señalarse como técnicas de una generación reciente, o actual, no me han seducido hasta ahora para proponer una obra desde estas disciplinas.  Por ahora, los procesos que yo empleo, me parecen idóneos para construir mis imágenes y expresar mis ideas”.

- Para las monedas que diseñó usó formas de la naturaleza colombiana, ¿le interesa este tema?, ¿cómo se había aproximado a él?

“La observación directa de la naturaleza, aun cuando no sea una "manifestación artística", es otro campo en el que me he interesado.

El "estudio" de los macroinvertebrados acuáticos de páramo, de los coleópteros y las larvas de insectos, ocupó durante un buen tiempo mis ratos libres.

Participé en salidas de campo con biólogos en los que se recolectaban muestras. Se hacía una retícula de un tramo de una quebrada, se sacaban los bichos y se contaban y clasificaban los ejemplares hallados de cada especie.

Había que remover las piedras cuidadosamente y tener a mano un cedazo. Yo hacía anotaciones y dibujos e indicaciones del lugar de su procedencia. Algunas de estas anotaciones las usé como bocetos para pinturas que expuse posteriormente. También hice planas de frailejones. Estas dieron lugar a unas imágenes de presencias brumosas.

El páramo es un lugar de recogimiento y gran belleza que sigue asombrándome. Las salidas de campo a Chingaza y las anotaciones que hice  fueron una fuente para mis pinturas entre el año 1987 y 1992”.

- ¿Cuanto está realizando una obra piensa en el espectador que podría ver ese trabajo, le gustaría encontrar un determinado tipo de espectador para esa obra?

“Prever cómo y quién va a interpretar la obra desborda todas las predicciones posibles. No busco un espectador ‘sobre medidas’. ¡No rotundo!”.

- ¿Cuál es el método con el que usted realiza su obra?

“Cada tema requiere que se desarrolle una técnica particular para referirse a él. Por ejemplo, en una de mis obras, llamada "Letargia", el hecho que la línea sea en metal y esté sumergida en un sustrato de pintura afirma la idea que cada personaje retratado está inmerso en un sueño profundo. No están muertos: sus facciones constatan que se trata de un sueño placentero. La imagen invita al silencio y al recogimiento: nada perturba a los durmientes, ya nada puede despertarlos”.

-  ¿Es predominante en su obra el trabajo figurativo?

“En mi obra predomina la figuración, pero no es en ninguna forma algo que excluya otras múltiples posibilidades.
Los dibujos que conforman mi obra "Torrencial", por ejemplo, son dibujos geométricos, donde ni la figuración ni el cuerpo están presentes. Considero que para referirse a la realidad no necesariamente hay que representarla.

Para mí cada tema necesita ser abordado desde una perspectiva particular. Elegir de antemano si va a ser pintura o si va a ser la representación de alguien, limita y empobrece la aproximación que pueda yo hacer desde mi oficio plástico.

El caber dentro de una de las categorías como la de "pintor" o de "artista figurativa" o "arte abstracto" me es irrelevante. Considero que es necesario abordar la obra con una actitud libre de prejuicios. Lo importante no es en qué categoría se la puede forzar, sino la lectura que se pueda hacer a partir de esa imagen, independiente de cualquier parámetro restrictivo. Encuentro particularmente interesantes las obras de otros artistas que eluden las clasificaciones arbitrarias”.

- ¿Influye en su obra la ciudad, lo citadino?

“Soy citadina y considero que esto determina cierto tipo de temas a los que aludo en mi obra. Sin embargo, pienso que no es un factor que incida conscientemente en mi trabajo”.

- ¿Le preocupa abordar con su trabajo lo femenino y lo masculino?

“Los problemas de género no son temas en los que me interese ahondar exclusivamente en mi obra, a no ser que sean factores que tengan que ver tangencialmente con otros aspectos a los cuales quiera referirme”.

- ¿Considera que el arte puede ser una forma de liberación o de expiación?

“Las obsesiones personales no son una fuente para las obras. Pienso que hacer arte no es una terapia”.